Hvordan filmskapere hjelper seerne å elske filmene sine
Cinema / / December 30, 2020
Når folk diskuterer kino, snakker folk ofte om handlingen og skuespillet. Selvfølgelig er dette viktige deler av enhver film. Men det hender at du ikke kan ta øynene fra et bilde, selv om handlingen utvikler seg veldig sakte, og en annen historie blir fort kjedelig, til tross for de mange hendelsene. Noen forfattere klarer å få betrakteren til å tro på de mest fantastiske svingene, mens andre lager til og med virkelige situasjoner som leker. Og det er bare hyggelig å se på noen bånd, mens andre er harde.
Saken er at det i tillegg til handlingen og skuespillerne er mange interessante tekniske triks som regissører hjelper seeren til å kjenne på handlingen og nyte det som skjer på skjermen. Disse finessene blir kanskje ikke engang lagt merke til, men de påvirker fremdeles oppfatningen av bildet.
Fargespekter
Det første du må legge merke til er at fargene i filmene ofte ikke er de samme som i virkeligheten. Det kan være ganske åpenbart (for eksempel hvis bildet er svart og hvitt), eller du skjønner ikke det umiddelbart. Men dette er ikke tilfeldig.
Skap atmosfære
Ved hjelp av farger kan du bedre formidle atmosfæren til det som skjer, skape en stemning i betrakteren og til og med vise følelsene til karakterene selv.
Ta for eksempel den populære serien “X menn». I hovedserien med filmer ligner det lyse og rike bildet tegneserier. Og i motsetning til dem i noir "Logan", der de snakker om heltenes alderdom og tretthet, velges blekere toner.
I filmen "Mad Max: Fury Road" foregår det meste av handlingen i et varmt ørkenområde. Det er logisk at bildet ble skutt i gul-oransje nyanser, som får deg til å føle den brennende solen og tørrheten.
For klarhetens skyld kan du ta en ramme og endre fargevalg. Det vil umiddelbart se ut som det har blitt kaldere.
For å skape et kontrastbilde, blir moderne storfilmer og generelt massekino mer blå og oransje.
Og her er den berømte Wes Anderson elsker en myk rosa palett. Det gir betrakteren følelsen av en gammel romantisk film. Og alt som skjer oppleves mer rolig og lettere.
Når de vil skape en atmosfære av fremtiden og fantasien, blir de også ofte blå. Og de elsker spesielt neonfarger, som er koblet fast i betrakterens hode med cyberpunk og teknologi.
Unødvendig å si at forfatterne skrekkfilmer foretrekker mørke farger. Det er flere grunner til dette. Selvfølgelig er dette delvis en måte å pumpe atmosfæren på. Mange er allerede redde for mørket, og i skrekkfilmer er det også monstre som gjemmer seg i det.
I tillegg lar et mørkt bilde deg skjule manglene ved grafikk eller sminke og spare på produksjonen. Det er sant at det er en fare i dette: hvis du mørkner rammen for mye, så kan seeren rett og slett ikke se hva som skjer på skjermen, spesielt i en dårlig kino eller på en gammel TV. For eksempel var dette tilfelle i 2018-filmen Slenderman.
Selv om noen originale regissører kan spille i kontrast. For eksempel Ari Astaire i “Solstice”Viste den typiske atmosfæren til en skrekkfilm: heltene befinner seg i en isolert landsby, der forferdelige ting skjer.
Men samtidig er bildet veldig lyst, det er nesten ingen mørke scener i det, og heltenes klær er snøhvit. Og dette gjør det enda mer forferdelig, for det er ingen steder å gjemme seg for skrekken.
Leser nå🔥
- Topp 25 TV-serier i 2020
Separere plottdeler
En film kan ha flere forskjellige fargefiltre. De brukes til å skille historier tydeligere. Og med riktig talent, hjelper denne tilnærmingen å gjøre bildet lysere.
Et godt eksempel er “Matrise». Logoen til dette båndet ble laget med grønne kodesymboler, som betegner programmet folk bor i. Derfor ble alt som skjer i den virtuelle verden filmet gjennom et grønnaktig filter. Og virkelige hendelser vises i blått.
Og bare helt på slutten av tredje del, når mennesker og maskiner har inngått en fredsavtale, vises rene blå og grønne farger i rammen samtidig.
I film Christopher Nolan "Begynnende" figurer beveger seg fra den virkelige verden til en drøm, deretter til en drøm i en drøm, og så videre. For å tydeligere skille "lagene" valgte regissøren sitt eget fargevalg for hvert av dem.
På første nivå av søvn er alt filmet i en blå palett, det andre er gult, det tredje er hvitt. Og bare i den siste drømmen kommer alle nyanser sammen igjen, som i den virkelige verden.
I Blade Runner 2049 Denis Villeneuve forskjellige farger reflekterte både hovedpersonens plassering og indre tilstand.
Det hele starter med at Ryan Goslings karakter vandrer i tåken, så passerer han gjennom en varm oransje ørken, neonfuturisme og en nattflom. Og historien ender på en snøhvit bakgrunn som gjenspeiler ro og renselse.
Avslag på farge
Det var en gang alle filmer svart og hvit. Rett og slett fordi de ikke visste hvordan de skulle skyte ellers, og det var mulig å farge rammene bare for hånd. Så kom fargefilmer sammen og film ble mye mer realistisk.
Men samtidig er ikke svart-hvitt-fotografering en fortid. De brukes fortsatt til kunstneriske formål. For eksempel å avgrense forskjellige verdener eller historier.
Så i The Wizard of Oz, 1939, vises farger når Dolly kommer inn i eventyrverdenen.
I "Stalker" av Andrey Tarkovsky er farger også fraværende i heltenes vanlige liv. Og når karakterene befinner seg i den mystiske "Sonen", blir verden lys - det er her folk virkelig avslører seg.
Eller likevel viste Christopher Nolan i båndet "Husk" en del av handlingen i direkte rekkefølge, og den andre - i motsatt retning. Derfor er halvparten av filmen skutt i farger og den andre i svart-hvitt.
I tillegg tillater et svart-hvitt bilde at visse detaljer blir vektlagt mer levende ved å bare legge til farger på dem. For første gang gjorde Sergei Eisenstein dette ved å male flagget manuelt i slagskipet Potemkin fra 1925.
Deretter ble denne teknikken brukt i helt andre sjangre. I "Schindlers liste" Steven Spielberg utseendet til en jente i rød kappe blir et av de mest emosjonelle øyeblikkene.
Og selv i tegneseriefilmen Sin City brukes denne tilnærmingen gjentatte ganger, med vekt på rød leppestift, lyse øyne eller blod.
Rammekonstruksjon
Regel av tredjedeler
Et av de grunnleggende prinsippene for både kino og fotografering. Dette er omtrent som en forenklet regel for det "gyldne forhold".
Det er enkelt: Når du fotograferer, er skjermen delt i tre deler vertikalt og horisontalt. De viktigste elementene for tomten skal være plassert på disse linjene, samt i skjæringspunktet. Dette vil gjøre det lettere for betrakteren å fokusere på de ønskede punktene.
Plasser på en firkant
Hvis du vil dele rammen i to eller i fire like deler, kan du få betrakteren til å forstå uten ord hvilken plass karakteren inntar i historien.
Denne teknikken ses tydeligst på båndet "Drive" Nicholas Winding Refna. For eksempel, hvis ansiktet til hovedpersonen vises i øvre venstre hjørne, og i neste ramme vises et annet tegn på samme sted, så er dette et hint om at karakterene vil være rivaler.
I tillegg kan den samme Refn fortelle to historier parallelt: i øvre og nedre del av skjermen, eller i venstre og høyre halvdel. Seeren legger kanskje ikke merke til dette trekket, men fremdeles vil oppfatningen av karakterene være mer fullstendig. I tillegg er det bare vakkert.
Symmetri
Nok en psykologisk og estetisk teknikk samtidig. Ofte blir skudd der venstre halvdel gjenspeiler høyre halvdel bare gjort for skjønnhet.
Men noen ganger formidler de motstanden til karakterene. Og hvis helten ser i speilet, vil det vise sin mørke side eller forskjellen mellom drømmer og virkelighet. Med et ord, enhver allegori som man kan tenke på for refleksjoner.
Nederlandsk hjørne
For å vise hovedstabiliteten helt, tvil om noe eller hukommelsesproblemer, bruker en veldig visuell teknikk. "Nederlandsk vinkel" betyr at kameraet ikke skyter rett, men heller. Mange eksempler på denne tilnærmingen finnes i filmene av Danny Boyle.
Seeren er ikke vant til å se på bildet fra en vinkel, så han oppfatter bedre karakterens ubehagelige tilstand.
Det er imidlertid viktig å observere tiltaket her. For eksempel ble den katastrofale filmen "Battlefield: Earth" filmet helt i en vinkel. Men om halvannen time vil seeren mest sannsynlig bare ha vondt i nakken.
Skyting nedenfra og ovenfra
En annen av de enkle, men effektive teknikkene som lar deg formidle heltenes selvfølelse. Så du kan for eksempel vise hvem som er mesteren i situasjonen. Og så kommer kassettene umiddelbart opp i tankene Quentin Tarantinoder karakterene ser ned i kofferten.
Og skyting ovenfra får deg til å føle at helten føler seg usikker. Her er hvor morsomt de spilte det i den berømte scenen fra filmen "What Men Talk About", hvor karakteren til Kamil Larin, som et barn, gjør unnskyldninger til dørvakten i en dyr restaurant:
Dialog og bevegelse
Bakgrunnshandling
En teknikk som ofte brukes i komedie eller horror. I forgrunnen skjer det ikke noe interessant. Og det viktigste utspiller seg mot bakgrunnen, som kan bli mørkere eller uskarpt.
For eksempel hovedpersonen i filmen “Zombie heter Sean"skal til butikken. Alt er veldig verdslig for ham. Og i bakgrunnen er det en skikkelig apokalypse:
Avhengig av sjanger og presentasjon kan dette skape enten en veldig morsom effekt eller spenning - i skrekkfilmer er de viktigste skrikene ofte skjult.
Samtaler i bevegelse
Den vanligste typen dialog i filmer er at karakterer sitter og prater. I dette tilfellet bytter kameraet tradisjonelt mellom ansikter.
Men hvis scenen blir for lang, da seer bli lei av den konstante repetisjonen av de samme vinklene. Derfor supplerer eller endrer innstillingen til slike scener gode regissører.
Så i Quentin Tarantinos filmer snakker karakterene nesten konstant. Men mesteren lar deg ikke kjede deg, fordi dialoger kan finne sted mens du kjører. På grunn av den stadig skiftende bakgrunnen virker ikke handlingen ensformig.
Og selv om karakterene er i samme rom, bytter ikke kameraet bare. Hun kan bevege seg rundt dem, skape effekten av tilstedeværelse og til og med deltakelse i samtalen. Nesten alle tegn kan sees uten unødvendig redigering.
Nicholas Winding Refn klarer å bruke det allerede nevnte spillet med farge og refleksjon i enkel samtale. I Drive ser hovedpersonenes første dialog ut som veldig enkel.
Men samtidig karakteren Ryan Gosling er alltid på en blå bakgrunn (dette fargevalget følger ham gjennom hele filmen). Og heltinnen Carey Mulligan står ved de oransje veggene. Og dette viser at noe skiller dem, selv om de er i nærheten.
180 graders regelen
Det er et viktig poeng under filmingen. Hvis du beveger kameraet mer enn 180 grader når du endrer vinkelen, blir betrakteren forvirret. For eksempel når helten løper, vil det se ut som om han har snudd og beveger seg i motsatt retning.
Og dette er like viktig selv under dialoger. For ikke å skape inntrykk av at alle i rammen har beveget seg brått, velger operatør og regissør en bestemt linje utover som kameraet ikke skal gå.
Det er nysgjerrig at et bevisst brudd på denne regelen kan brukes bare for å forvirre betrakteren, for å vise heltens forvirring. Og med tilstrekkelig fantasi skaper forfatterne mer uvanlige scener. For eksempel en samtale Gollum Med meg selv. Karakteren vises rett og slett fra forskjellige sider, men dette skaper effekten at det er to høyttalere og at de er i dialog.
Installasjonsfunksjoner
Redigering lar deg gjøre handlingen av filmen mer dynamisk, "hoppe over" kjedelige øyeblikk i livet og la deg se på hva som skjer fra forskjellige synsvinkler. Den enkleste formen er fortellende. Det vil si at hendelsene i rammen skjer etter hverandre. Dette ble tydeligst forklart i The Man from Boulevard des Capucines.
Men du kan vise hendelsene i filmen på en annen måte, og for dette bruker de forskjellige teknikker.
Parallell installasjon
I motsetning til fortellende fortellinger, vil forfattere noen ganger at publikum skal se hva som skjer samtidig forskjellige steder. Og så styremedlemmer referer til parallelle ledninger.
Dette gjør plottet mer innholdsrikt. Men forsiktighet er nødvendig. Når alt kommer til alt, hvis du viser scenene som forekommer samtidig, kan du få inntrykk av at hver av dem varer lenger.
Et slående eksempel på mislykket parallell redigering er "Furious-6". Heltene prøver å rømme på et fly som kjører langs rullebanen, biler jager dem, og en kamp finner sted inne i liner.
Forfatterne demonstrerer så mange hendelser samtidig at flyet ser ut til å akselerere i minst 15 minutter på skjermen. Unødvendig å si at dette dreper all realismen i situasjonen?
Christopher Nolan, derimot, er allment ansett som en mester i parallell redigering. Regissøren bruker den i mange av verkene sine, men begynnelsen er det beste eksemplet. Hendelser på forskjellige nivåer av søvn skjer samtidig, og med forskjellige hastigheter (i dypere søvn beveger tiden seg saktere).
Her blir den allerede nevnte fargeseparasjonen lagt til handlingen, og betrakteren blir ikke forvirret i det som skjer, men innser hele begivenhetens globalitet.
Forresten er det interessant at Nolan i filmen "Dunkirk" er enda mer vittig med denne teknikken. Den viser parallelt hendelsene som foregår på land, i vann og i luften. Faktisk er kronologien en helt annen, og alt konvergerer bare i finalen.
Flashbacks og Flash Forwards
Noen ganger legger forfattere sine minner fra fortiden - flashbacks - inn i karakterenes lineære historie. Dette kan være veldig korte blink på noen få sekunder eller hele historier.
En stor elsker av slike øyeblikk - Jean-Marc Vallee. Dermed tilfører han spenning i de tilsynelatende rolige scenene. Eller han gjør det klart at karakteren bedrar noen: han sier en ting, men noe helt annet vises i hans minner.
Det er ikke vanskelig å gjette at flashforwards er de samme historiene, men fra fremtiden. De brukes sjeldnere, vanligvis i science fiction eller mystiske historier. På en slik teknikk bygde de til og med en hel serie, der hver person i løpet av en viss formørkelse så et øyeblikk fra sin fremtiden.
Og videre langs plottet prøver alle å finne ut årsakene til det som skjedde og forstå betydningen av deres visjoner. Serien ble kalt slik: Flashforward (i russisk oversettelse - "Husk hva som vil skje"). Riktignok varte han bare en sesong.
Jump-cut
Denne teknikken gjelder allerede lineær redigering. Det betyr en skarp overgang mellom skudd. De bruker den til helt andre formål.
I Frank Ozs Little Horrors Shop hjelper denne montasjen med å vise tidens lange og kjedelige gang.
Men Lars von Trier, som også ofte bruker jump-kat i verkene sine, formidler karakterens emosjonelle stress og psykologiske ustabilitet på denne måten. Skyting som dette gjør bildet mer "nervøst". I "Idiots" -båndet er dette veldig passende:
Form- og lydredigering
For at de forskjellige hendelsene som vises i filmen skal oppfattes som en fortsettelse av hverandre, bruker forfatterne ofte visuelle tilfeldigheter. Det vil si at omrissene av et eller annet objekt i en ramme gjentas i den neste. Og noen ganger kan det se veldig vittig ut.
På samme måte kan du "hekte" betrakteren med lyd. Skriket fortsetter med fløyten til dampbåten, og industribrusen byttes ut musikk samme tempo. Eller suset fra et skadet rør blir til et knitrende kjøtt.
I tillegg kan lyden være litt foran eller bak det som vises på skjermen. Dette er gjort for å gjøre scenene mer sammenhengende. Det vil si at betrakteren fremdeles hører tale og rasler fra forrige ramme, men handlingen har allerede endret seg. Eller vice versa.
Mangel på installasjon
Dette er et dristig trekk: regissører skyter lange scener uten å redigere i det hele tatt, eller de skjuler det på forskjellige måter.
Dette gjør det som skjer på skjermen mer realistisk, gir betrakteren en følelse av tempoet i selve historien. Men selvfølgelig krever denne tilnærmingen mye mer øving og investering. Faktisk, under behandlingen kan du kutte ut mislykkede små ting.
Så, Joe Wright i filmen "Atonement" viste en fem-minutters scene med evakuering av tropper fra Dunkirk under Andre verdenskrig. Publikum involverte 1300 mennesker, med utstyr som beveget seg i rammen og eksplosjoner som skjedde i bakgrunnen. Det er denne tilnærmingen som formidler alt dysterhet og kaos i det som skjer.
Moderne teknologier gjør det mulig å håndtere installasjonen mer nøyaktig. Og dette hjalp Alejandro Gonzalez Iñárrit til å skyte Birdman. I den merker du ikke engang umiddelbart at hele handlingen vises i en kontinuerlig ramme.
Faktisk er montasjen der, men skjult. Lim blir laget når kameraet passerer gjennom et mørkt element.
Og "Russian Ark" av Alexander Sokurov ser enda sterkere ut. Handlingen foregår i Eremitasjen, og regissøren fikk en dag for filmopptak. Derfor bestemte han seg for å skyte bildet uten liming.
Det tok syv måneder med øvelser med 800 statister. Som et resultat skutt de fra tredje gang en hel film med en varighet på 1 time og 27 minutter.
Faktisk er det mye mer slike finesser. Men mange av dem krever allerede dyp kunnskap om regi og film. Dette er bare enkle eksempler som kan sees i mange filmer. Og når du ser på neste bilde, vil du sikkert bli truffet av det "nederlandske hjørnet" eller en lang ramme uten redigering. Men det vil ikke bryte magien kinematografitvert imot, det vil gjøre visning enda mer interessant.
Les også🎬
- 6 tips for å fange fantastiske actionkameraer
- 12 kjente filmstempler som villeder seerne
- Hvordan Xavier Dolan filmer - en av de mest lovende unge regissørene
- David Lynchs verdener: hvordan en regissør lager filmer med en unik magnetisk atmosfære
- Paolo Sorrentino: hvordan forfatteren av "Great Beauty" og "Young Pope" lager bilder